Dieter Buchhart Livres

Numerous publications and exhibitions have examined Jean-Michel Basquiat’s extensive oeuvre that consists of more than 3000 works. This catalogue, however, focuses on eight paintings: In the summer of 1982, Basquiat traveled to Modena, Italy, for one of his first solo exhibitions in Europe at the gallery of Emilio Mazzoli. Within just a few days, he painted a group of large-format paintings that surpassed his previous work not only in terms of their scale. Each at least two by four meters in size, they mark his transition from graffiti spraying in the streets of Manhattan to painting on canvas. At the same time, they reflect an artist coming into his own. The paintings―including masterpieces that today are considered pivotal and among the most outstanding of his oeuvre―have never been shown together. This catalogue revisits this crucial moment of Basquiat’s career some 40 years ago and reunites them for the first time. JEAN-MICHEL BASQUIAT (1960–1988, New York) is one of the most important artists of the 20th century. Emerging from the underground post-punk scene in Lower Manhattan, he attracted the attention of the art world in 1981 with the legendary group exhibition New York/New Wave . In nine prolific years, he created an oeuvre that formulated a new visual language of raw gestural painting fused with dense writing, and repeatedly reflected the oppression, exclusion and exploitation of People of Color.

This exciting, color-filled retrospective monograph offers new insights into Basquiat's unique visual language and helps illuminate messages about political and social issues that feel as urgent today as they did a half-century ago.

This collection showcases the artist's most inspired creations, presenting a curated selection that highlights their unique style and vision. Each piece reflects the artist's creative journey, offering insights into their techniques and thematic explorations. This volume serves as a comprehensive tribute to their artistic legacy, making it a valuable resource for both admirers and aspiring artists.

Exploring the intersections of two iconic artists, this book delves into the unique imagery and radical viewpoints of Keith Haring and Jean-Michel Basquiat. It showcases over 200 works, including public art, sculptures, and photographs, highlighting their socio-political commentary on race, sexuality, and spirituality. Accompanied by new essays and interviews, it serves as both a tribute and a comprehensive record of their influential contributions to contemporary art.

"The first book on Basquiat's ingenious uses of found objects and unconventional materials. Bringing together a range of unconventional painted supports and found-object sculptures, Jean-Michel Basquiat: Art and Objecthood provides an innovative, in-depth look into the artist's sculptural practice. In addition to painting and drawing on everything within his domestic spaces--refrigerators, chairs, cabinets--Basquiat made use of discarded windows and doors, mirrors, wood boards and subway tiles in his earliest creations. In a 1985 interview with Becky Johnston and Tamra Davis, he explained: "The first paintings I made were on windows I found on the street. And I used the window shape as a frame, and I just put the painting on the glass part and on doors I found on the street." Jean-Michel Basquiat: Art and Objecthood borrows its title from the influential 1967 essay by renowned art historian Michael Fried, who critiqued Minimalism for its dogmatic separation between

Accompanies an exhibition at the Louis Vuitton Fondation, Paris, concentrating on Schiele's expressive use of force.

For the celebrated Norwegian painter Edvard Munch (1863-1944), one of the pioneers of Expressionism, the vibrant modern city of Copenhagen was both a bridge to Europe and an occasional refuge. Munch's lively exchanges with Danish artists and authors led to further intensive encounters with the art of Paul Gauguin, and also with Impressionism, Symbolism and Synthetism. During an existential crisis that began around the turn of the century and lasted until 1908, Munch time and again returned to Denmark. Rich in fascinating material, this book is the first to take a thorough look at Munch's complex relationship to this Scandinavian country, demonstrating the extent to which his Danish contacts influenced his reception of contemporary French painting, as well as his own early oeuvre. This volume presents lesser-known works made in and around Copenhagen and during Munch's seven-month stay in a psychiatric clinic.

A critical examination of the human condition and artistic responsibility through the eyes of Ai Weiwei. Internationally renowned for his multimedia work as an artist-activist, Ai Weiwei has become one of the foremost political artists today. Ai Weiwei: In Search of Humanity offers the reader an in-depth examination of the aspect of humanity and artistic responsibility in Ai Weiwei's work. The catalog includes key works from all phases of the artist's career, focusing on works that shed light on themes that have long compelled him: surveillance, censorship, human rights, freedom of expression, the global refugee crisis, radical responsibility, the power of beauty, and the truth of poetry. Guided by these concerns, it offers new perspectives to understand the relevance of Ai Weiwei's artistic language. It encompasses a wide range of art historical paradigms (such as the readymade) alongside more radical activist strategies, all aimed at exploring the extremes of the contemporary human condition on a global scale.

Medienübergreifende Denkansätze an den Schnittstellen von Malerei und Skulptur, Fotografie und Architektur, Design und Typografie bestimmen das Œuvre des österreichischen Künstlers Lorenz Estermann (*1968 in Linz). Im Fokus seiner Werkserien stehen collageartige Arbeiten auf Papier sowie dreidimensionale Architekturmodelle und Rauminstallationen, die er mit ironischer Distanz von real existierenden Architekturen der 1960er- und 1970er-Jahre ableitet. Die Motive und Themen für seine Arbeiten entdeckt er bei seinen Fotorecherchen, die den Künstler unter anderem in die Vororte und Industriegebiete Mittel- und Osteuropas mit ihren unterschiedlichen Architekturen und Baustilen führen. In seinem Werk werden nicht nur die großen Utopien der Moderne kritisch und mit Humor analysiert, sondern sie schlagen auch den Bogen zur Pop-Art und deren Auseinandersetzung mit Produkten des Massenkonsums und Phänomenen der Alltagskultur. Ausstellungen: Galerie Stefan Röpke, Köln 12.3.–16.4.2010 Galerie Willy Schoots, Eindhoven 24.1 –13.3.2010

Der norwegische Maler und Grafiker Edvard Munch (1863-1944) kämpft zu Beginn des 20. Jahrhunderts mit den Folgen einer gescheiterten Liebesbeziehung. 1908 erleidet der empfindsame Künstler nach belastenden Krisenjahren einen Nervenzusammenbruch, der einen Aufenthalt in einem Kopenhagener Sanatorium nötig werden lässt. Dort verwandelt Munch sein Krankenzimmer in ein Atelier. Es entsteht das Meisterwerk „Alpha und Omega“, ein Mappenwerk bestehend aus 22 lithografischen Blättern und einem gedruckten Prosagedicht. In dieser bildnerischen Parabel wird in Episoden die Geschichte von Alpha und Omega, den ersten Menschen auf einer Insel, erzählt. Munchs Besessenheit vom Kampf der Geschlechter steigert sich in dieser Inselfantasie ins Groteske. Persönliche Widersacher werden als Mischwesen karikiert. Am Ende tötet Alpha seine Frau Omega und wird selbst von Tieren mit menschlichem Antlitz gefressen. Der Katalog erscheint anlässlich der Ausstellung „Edvard Munch. Alpha & Omega“ (9. Juni 2013 – 12. Jan. 2014) im Museum Kunst der Westküste in Alkersum/Föhr. Mit Texten von Dieter Buchhart, Ulrike Wolff-Thomsen und Gerd Woll.

Marco Evaristti (*1963), bekannt als Enfant terrible der dänischen Kunstszene, ist ein Grenzgänger, der auf reale Extremerfahrungen setzt. Seine Kunst stellt politische Methoden und Ansprüche in Frage, er greift Themen auf wie territoriale Gewalt, Umweltverschmutzung, Besitzdenken oder das Richten über Leben und Tod. Im Jahr 2004 färbte er bei minus 23 Grad einen Eisberg vor Grönland, offiziell Teil des dänischen Herrschaftsbereichs mit innerer Autonomie, mit gut 3000 Liter Farbe rot und erklärte: 'Das ist mein Eisberg.' Die Aktion eröffnete eine scharfe Debatte über Grenzen der Kunst, Umweltbelastung und die scheinbare Zwecklosigkeit der Aktion. Im Juni 2007 folgte The Mont Rouge Project, für das der Künstler Bereiche des Mont Blanc rot färbte und zur Jahreswende 2007/08 wird der dritte Projektteil in der Atacamawüste in Chile realisiert. Diese Publikation erscheint anlässlich der Weltpremiere der Präsentation von Evaristtis Trilogie zum Thema Territorium in der Kunsthalle Krems.

Das Katalogbuch begleitet die erste umfassende Ausstellung zu Otto Dix (1891–1969) in Österreich seit über 20 Jahren. Während Dix’ Kriegsbilder weithin bekannt sind, widmet sich der Band der Vielfalt seines Œuvres und verfolgt dessen stilistische und ikonografische Entwicklung. Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 wurde Dix als einer der ersten Kunstprofessoren entlassen. 1937 wurden seine Werke als 'gemalte Wehrsabotage' diffamiert, was ihn zur 'inneren Emigration' führte. Seine Kriegslandschaften verkörpern den Untergang der einst paradiesisch wirkenden Landschaften und Heiligendarstellungen. Selbst während des Zweiten Weltkriegs integrierte Dix als 'entarteter Künstler' Elemente von Bedrohung und Gewalt in seine Werke. Die Ausstellungsthesen argumentieren, dass Dix’ Ikonografie stark von seinen traumatischen Erlebnissen im Ersten Weltkrieg geprägt wurde und zum zentralen Thema seiner Bilder avancierte. Mit seinen politisch motivierten und gesellschaftskritischen Gemälden und Grafiken charakterisiert Dix die Zwanziger und Dreißiger Jahre sowie die Nachkriegszeit in all ihren Facetten. Er wird als exzellenter Maler und Zeichner präsentiert, der von Expressionismus über veristische, kubistische und futuristische Einflüsse bis hin zur Neuen Sachlichkeit eine altmeisterliche Technik anwandte, um schließlich zu einer expressiven Formensprache zurückzufinden.

Keith Haring The Political Line. The Political Line, published on the occasion of a major exhibition at the de Young in

Edvard Munch. Im Dialog widmet sich dem norwegischen Künstler Edvard Munch (1863-1944) und dessen nachhaltigem Einfluss. Vor allem das späte Schaffen des Künstlers ab den 1910er Jahren und dessen Relevanz und Aktualität für die Kunst der Gegenwart sind Thema der Publikation. Es geht nicht vorrangig um unmittelbare Variationen von Munchs ikonischen Bildern, wie sie etwa Andy Warhol vorgelegt hat, wenngleich diese eine Rolle spielen. In erster Linie liegt der Fokus auf jenen Künstlern, die sich tiefgreifend mit Munch befasst und die formale Experimentierfreudigkeit des Norwegers fortgesetzt beziehungsweise die inhaltliche Dimension seiner Motive und Themen in ihrem eigenen Schaffen subtil ausgelotet haben

'Go West' widmet sich einer umfangreichen Darstellung des Lebens der Indianer Nordamerikas. Der europäische Blick auf die Ureinwohner wurde von Anfang an von Klischees geprägt und ist bis heute sehr stereotyp. Den 'edlen Wilden' stellte man sich hoch zu Ross, mit Pfeil und Bogen und Federkrone vor; die große Vielfalt indianischer Lebensformen wurde nicht wahrgenommen. Neben Abbildungen und Erläuterungen zu ethnografischen Objekten und Gemälden umfasst die Begleitpublikation zur gleichnamigen Ausstellung der Kunsthalle Krems Installationen des zeitgenössischen Künstlers Richard Hoeck, der dem Betrachter in seinen Arbeiten bewusst macht, dass sich die europäischen Wild-West-Klischees im 20. Jh. kaum verändert haben. Der Slogan 'Go West' war die Verheißung unendlicher Möglichkeiten und die regelmäßige Antwort auf Krisensituationen im Europa des 19. und frühen 20. Jh.

Claude Monet steht wie kein anderer für die Malerei des Impressionismus. Der Band beleuchtet Monets Werdegang vom Realismus über den Impressionismus bis hin zu einer Malweise, bei der sich die Farben und das Licht allmählich vom Gegenstand lösen. Im Fokus stehen sein bislang wenig untersuchtes Farbkonzept und seine leidenschaftliche Auseinandersetzung mit Motiven seines Gartens in Giverny. Der französische ”Meister des Lichts“ (1840–1926) war ein zentraler Wegbereiter der Malerei im 20. Jahrhundert. Er malte am Meer, an der Steilküste der Normandie und an den Ufern der Seine. Monets Licht und Farben wechseln auf der Leinwand mit der sich stets verändernden Natur. Um die Vielfalt an atmosphärischen Eindrücken zu erfassen, malt er viele seiner Motive in Serien. Bei der Beschäftigung mit der Pflanzen- und Wasserwelt seines Gartens wird das Motiv nach und nach von der Naturbeobachtung unabhängig. So bereitet der Künstler mit seinem Spätwerk den Boden für die Malerei des abstrakten Expressionismus.

Selten hat ein Künstler, mehr als 20 Jahre nach seinem Tode, die Kunstwelt ebenso wie eine breite Öffentlichkeit derart beschäftigt, wie dies bei Joseph Beuys nach wie vor der Fall ist. Die Auswirkungen seines Schaffens sind bis heute evident und setzen - aus Gründen der Hommage oder auch aus Motiven der Abgrenzung - nach wie vor entscheidende Impulse in der aktuellen Kunstproduktion und -rezeption. Beuys' charismatische Ausstrahlung und spirituelles Sendungsbewusstsein, die ständig zwischen dem Bild eines messianischen Gesellschaftsutopisten und eines rebellischen Außenseiters oszillierten Märtyrergestalt und provokanten Skandal anzusiedeln sind, haben ihm einen schamanischen Nimbus verliehen, dessen Aspekt im Rahmen dieser Publikation einer näheren Betrachtung unterzogen wird.

"American artist Jean-Michel Basquiat (1960-1988) quickly became one of art history's most luminescent personalities; his friendships with Andy Warhol, Keith Haring, and Madonna, as well as his tragic death at the age of twenty-seven, are the stuff of legend. This retrospective publication traces the artist's unique career and pinpoints his important position in art history. Basquiat's works are marked by the kind of intensity and energy that also determined the course of his brief life. In just eight years--comparable to the career of Egon Schiele--Basquiat not only managed to create an extensive oeuvre, but also to establish new figurative and expressive elements alongside Conceptual and Minimal Art. At the age of twenty-one, he became the youngest artist ever to be invited to the documenta, while his work also anticipated that of Germany's Junge Wilde movement and the art of the nineties."--Publisher's website.

Edvard Munch (1863–1944) zählt zu den Pionieren der Moderne. Seine Werke kreisen um die großen menschlichen Tragödien zwischen Eros und Tod, die der Vorläufer und Begründer des Expressionismus in einer bis dahin nicht gesehenen psychologischen Direktheit in der Bildsprache variierte. Im Mittelpunkt des Bandes steht die Bedeutung von Munchs Œuvre als höchst eigenwilligem Beitrag zur Moderne. Anhand von mehr als 130 Gemälden sowie 85 Arbeiten auf Papier wird dabei als zentrale Besonderheit erstmals das Verschwinden wie das Neuentstehen des Motivischen vor dem Hintergrund seiner materialbasierten Modernität beleuchtet. So integrierte der Künstler beispielsweise mit der sogenannten Rosskur, bei der er seine Arbeiten der Witterung aussetzte, nicht nur den Zufall, sondern auch den natürlichen Zerfall als Werkkomponente in seinen Schaffensprozess. Munchs konsequentes Überschreiten der historischen Gattungsgrenzen zwischen Malerei und Druckgrafik, seine Arbeit mit Fotografie und Film sowie seine Betonung des Prozessualen öffnen bereits zur Jahrhundertwende einen Ausblick ins 20. Jahrhundert. (Amazon.de)